Давайте сыграем в игру. Проверьте себя: попробуйте, никуда не заглядывая, перечислить музыкальные инструменты, которые вам известны. Сколько у вас получилось назвать сходу за полминуты? Если хотя бы десяток – уже хорошо. Если меньше – то хуже, но не торопитесь расстраиваться. Назвать хотя бы десятую часть музыкальных инструментов мира не получится, наверное, ни у кого на свете. По оценкам специалистов, их не менее полутора тысяч, но точная цифра неизвестна никому!
В Москве, на улице Фадеева, дом 4, есть музей музыкальных инструментов (Музей музыкальной культуры имени М.И. Глинки в 2018 году переименован в Российский национальный музей музыки). В залах этого музея выставлена уникальная коллекция, одна из лучших в мире – увидев её хотя бы один раз, вы начнёте понимать, насколько же огромен, сложен и разнообразен мир музыкальных инструментов!
Существует даже специальная наука – инструментоведение. И наука эта весьма даже непростая. Вот, к примеру, учёные-инструментоведы часто подразделяют музыкальные инструменты на духовые, струнные и ударные. Казалось бы, всё просто: духовые – это труба, струнные – это скрипка, а ударные – известный всем с малолетства барабан. Но стоит копнуть чуть глубже, и начинаются чудеса. Оказывается, что привычное нам пианино попало сразу в две группы – ударных и струнных инструментов! А вот очень похожая на пианино фисгармония принадлежит... к группе духовых! Это духовой инструмент, как труба или флейта! Внутри у фисгармонии, как и у органа, есть трубы, и звук возникает благодаря движению в них воздуха, так что она и в самом деле духовая!
Фисгармония слева, пианино справа
А теперь возьмём саксофон. Большой, красивый, блестящий, аж глаза слепит. Ещё бы, ведь он изготовлен, как труба или тромбон, из металла. Но вот с точки зрения инструментоведения этот инструмент относится к группе... деревянных духовых инструментов! Если вы вдруг решите научиться играть на саксофоне, вы поймёте, почему – потому что, по сути, это самый обыкновенный кларнет. Точнее, бас-кларнет. В точности такой же язычковый мундштук, боковая клапанная клавиатура...
Бас-кларнет
А получилось так оттого, что бельгийский мастер и изобретатель Адольф Сакс ещё в 1846 году решил попробовать изготовить бас-кларнет из металла – что получится?
Адольф Сакс
А в итоге родился совершенно новый музыкальный инструмент – металлический, но из группы деревянных духовых, то есть саксофон (по имени изобретателя!). Забавно, что на это изобретение Саксу не хотели выдавать патент и обвинили его в мошенничестве. Сохранилось решение суда, в котором говорится, что «музыкальный инструмент под названием саксофон не существует и не может существовать».
Инструментоведение – очень интересная штука. Почему, скажем, скрипка называется «скрипкой» – разве она скрипит? Почему словом «альт» музыканты могут называть и «большую скрипку», и «трубу», и саксофон, и балалайку, и даже человеческий голос? Что за музыкальный инструмент – стеклянная гармоника, и похожа ли она на ту гармонику, на которой играет крокодил Гена?
К какой группе инструментов относятся «музыкальная пила» или «бокалофон»? Почему на обычном барабане сыграть мелодию не получится, хоть ты лопни, а на стальном барабане – легко? Вот такая она – наука инструментоведение. Вроде не математика, не химия, и в школе её не изучают – но сколько же в этой науке удивительного, необычного и прекрасного!
Все хотя бы раз в жизни слышали первую часть «Лунной сонаты». Это одно из самых узнаваемых, самых цитируемых, самых романтичных и красивых классических произведений для фортепиано. И вот вам – здрасьте! – легендарный Ференц Лист, человек, о котором Антон Григорьевич Рубинштейн (сам пианист высочайшего класса) говорил, что «все мы – унтер-офицеры в армии музыкантов, и есть только один генерал-фельдмаршал – это Лист», и вот этот человек не любит «Лунную сонату»?! Почему?
Загадочную нелюбовь Листа к «Лунной сонате» нечаянно открыл Александр Зилоти. Знаете, кто такой Александр Зилоти? В Московской консерватории существовала традиция – имя выпускника, окончившего консерваторию с золотой медалью (большой или малой), торжественно заносилось на специальную доску. Вот он, выпуск 1882 года – «Зилоти Александр»:
Александр Зилоти и Ференц Лист
Зилоти был прекрасным пианистом, отличным педагогом – между прочим, у него впоследствии учился Сергей Рахманинов (тоже, кстати, окончил консерваторию с золотой медалью). Кстати, обратите внимание, как передаётся музыкальная традиция из поколения в поколение. Казалось бы, где (точнее, когда) Моцарт, а где Рахманинов? Однако между ними можно запросто протянуть самый настоящий «мостик». Моцарт слушал игру юного Бетховена. А Бетховен с не меньшим восторгом слушал игру молодого Листа. (Кстати, одним из учителей Листа был ни кто иной, как... Антонио Сальери! Да-да, тот самый, который по легенде якобы отравил всё того же Моцарта.) Так вот, Александр Зилоти был одним из учеников Листа – его отправили в Веймар сразу же после окончания консерватории. А Сергей Рахманинов был учеником Зилоти... А Рахманинов – это уже почти современность, он всего каких-то полтора десятка лет не дотянул до «эпохи рок-н-ролла»...
Однако вернёмся в 1883 год, когда девятнадцатилетний Зилоти приехал в Веймар, учиться у великого Листа. Лист был человеком немного чудаковатым. Это современные звёзды плотно сидят на миллионных гонорарах и брезгуют преподаванием – а вот Ференц Лист не просто брал учеников до самой смерти, он ещё и учил «всех, кто приходит», причём абсолютно бесплатно!
Дело в том, что ещё двенадцатилетним ребёнком Лист мечтал поступить в Парижскую консерваторию (а там обучали бесплатно) – но получил от директора консерватории Керубини грубый отказ. После этого Лист поклялся, что если когда-нибудь станет большим музыкантом, будет учить всех без различия и даром.
Никаких домашних заданий (в нашем понимании) Лист никому никогда не задавал. Ученик или ученица приходили с выученными нотами и клали их на рояль. Лист брал ноты с рояля, выбирал интересующую его пьесу и просил ученика сыграть; затем он объяснял, «что и где не так», иногда сам садился за рояль и показывал «как надо». Александр Зилоти обратил внимание, что очень многие ученики приносили ноты «Лунной сонаты» Бетховена, однако Лист никогда не просил сыграть это произведение – он, недовольно поморщившись, откладывал эти ноты. В чём была причина, Зилоти мог только догадываться, – спросить старого учителя напрямую он стеснялся...
Таинственная причина раскрылась случайным образом. Как-то раз в Лейпциг с концертами из Петербурга приехал Антон Рубинштейн (тот самый, который называл Листа «единственным генерал-фельдмаршалом из живущих пианистов»). Лист высоко ценил талант Рубинштейна – и настоятельно рекомендовал Зилоти отправиться в Лейпциг, «всё внимательно слушать, а затем вернуться в Веймар и всё рассказать». По совпадению, Рубинштейн выбрал для концерта сонаты Бетховена – в том числе «Лунную». Исполнение было великолепное, концертный зал отличный, рояль был новый, шикарный «Бехштайн» – в общем, Зилоти был в полном восхищении... Вернувшись в Веймар, он начал взахлёб начал рассказывать Листу о том, как потрясло его исполнение «Лунной сонаты» Рубинштейном.
Лист вздохнул, подошёл к роялю и стал просматривать ноты, принесённые учениками. Наконец, он нашёл ноты «Лунной сонаты» и спросил – кто её играет. Ноты принесла молодая американка. Лист покачал головой, раскрыл ноты и сказал: «Любезная барышня, эту вещь ни в коем случае нельзя мне приносить! Я не разрешаю её играть, потому что давно, в молодости, это был мой конёк, моя любимейшая вещь, и играл её я весьма недурно... Однако мы сегодня в хорошем настроении, и поэтому я сейчас сыграю эту вещь вам»... Лист сел за старенький, расстроенный, разбитый бесчисленными учениками и ученицами рояль (такова судьба всех ученических роялей и пианино) и начал играть.
Слово Александру Зилоти: «Когда он сыграл одни только вступительные триоли, я почувствовал, будто меня в комнате уже нет... Когда он кончил играть, я понял фразу Рубинштейна о том, что он – всего лишь унтер, а Лист – фельдмаршал. После такого исполнения я забыл о том, что всего лишь два часа назад слушал Рубинштейна! Рубинштейн после листовской игры не существовал как пианист! У меня были слёзы на глазах, я был вне себя мог только сказать: «Учитель, я ничего не понимаю, я в жизни ничего подобного не слыхал...».
А Лист добродушно улыбнулся и сказал: «Да, да, мы всё-таки играть ещё умеем...». Исполнение Листа настолько потрясло Зилоти, что он больше за всю свою жизнь никогда не играл на концертах «Лунную сонату», а если её доводилось играть другому музыканту – Зилоти не очень вежливо выходил из зала. Ему казалось страшным кощунством играть эту сонату Бетховена, даже притрагиваться к ней пальцем, после удивительной игры Ференца Листа...
Как выяснилось в дальнейшем, помимо «Лунной сонаты» Лист никогда не разрешал ученикам играть ещё одну вещь – собственную «Венгерскую рапсодию номер два до диез минор». Лист считал эту пьесу слишком «заигранной» – хотя, по иронии судьбы, сейчас именно это произведение является самым популярным у Листа. Оно попало даже в мультфильм – видели серию «Кошачий концерт» мультсериала «Том и Джерри»? Этот чудесный музыкальный мультик (в котором «Рапсодия» исполняется в сокращении) даже получил в 1947 году премию «Оскар» в качестве «лучшего короткометражного фильма».
Кстати, голливудские мультипликаторы «золотой эпохи» очень любили классическую музыку и постоянно использовали её в своих работах. Можно вспомнить и «Фантазию» Уолта Диснея, в которой звучит музыка Чайковского («Щелкунчик»), Стравинского («Весна священная»), Мусоргского («Ночь на Лысой Горе»). Или тот же «Том и Джерри», в котором, кроме Листа, можно услышать и всё того же Чайковского, и Шопена, и Штрауса... Или мультфильм «Петя и Волк», снятый Диснеем в 1946 году на музыку Сергея Прокофьева. Казалось бы, где весёлые детские мультики, а где серьёзная, «скучная», академическая музыка... А вот и неправда! Всё зависит от того, «как подать», и попробуйте сосчитать, скольких детей те самые «несерьёзные» мультики привели к «серьёзной» классической музыке...
Иоганн Себастьян Бах почитается во всём мире как величайший композитор, но мало кто знает, что Бах был ещё и первоклассным инженером, механиком, изобретателем, великолепно разбирался в акустике и математике.
Иоганн Себастьян Бах (1685–1750) за органом
Бах всегда настраивал свои музыкальные инструменты – органы, клавесины, клавикорды – самостоятельно, причём такая сложная операция, как настройка клавесина, отнимала у него не более 15 минут. В коллекции музыкальных инструментов Баха было два прекрасных лаутенверка, созданных по его собственным чертежам.
Лаутенверк, или лютневый клавесин – это инструмент, внешне похожий на клавесин или пианино, однако обладающий звуком лютни.
Вот описание одного из лаутенверков Баха:
«Автор этих строк видел и слышал в Лейпциге около 1740 года «Лаутенклавицимбель», придуманный г-ном Иоганном Себастьяном Бахом и построенный г-ном Захарией Гильдебрандтом. Инструмент этот меньше обычного клавесина, но во всём прочем подобен оному. В нём установлено два хора жильных струн и так называемая малая октава медных струн. Обычно, при включении только первого регистра, инструмент звучит более похоже на теорбу, нежели на лютню. Однако если включить лютневый и корнетный (медный) регистры, звук этого инструмента способен обмануть даже профессионального лютниста.»
Блестящего музыканта и не менее блестящего механика Иоганна Себастьяна Баха постоянно приглашали в качестве эксперта высшей категории для оценки построенных заново или отремонтированных органов. Вот отрывок из документа, составленного и подписанного лично Бахом – это, выражаясь современным языком, «акт приёмки» нового органа в городе Галле:
«Что касается механизма нагнетания воздуха, то он состоит из 10 мехов, хотя строитель в контракте оговаривал всего 9 – однако решил, что quod superflua non noceant (лат. – «за излишнее усердие не наказывают»). Однако, хотя чётное число мехов и более удобно при оппозитном их расположении, измерение скорости потока жидкостным анемометром показало значение 32-33 градуса, хотя для органов такого размера требуется значение от 35 до 40. В результате нехватки давления инструмент звучит с изъянами, коих можно избежать, если играть только на оберверке (среднем мануале). Данный дефект считается весьма серьёзным.»
Бах был горячим сторонником введения равномерной темперации при настройке музыкальных инструментов – в тогдашней теории музыки это была, выражаясь современным языком, «новейшая технология», спорная и неоднозначная, имевшая как защитников, так и противников.
Предложенная старшим современником Баха Андреасом Веркмайстером равномерная темперация позволяла композитору свободно переходить из одной тональности в другую при игре за счёт снижения чистоты звучания интервалов. Понимая, что одной лишь математикой скептиков не убедить, Бах написал «в защиту» равномерной темперации одно из своих самых интересных сочинений – «Хорошо темперированный клавир» в двух томах.
Почитать отзывы о журнале «Лучик» можно здесь и здесь.
В сказке «Маленький Цахес по прозванию Циннобер» писателя Э.Гофмана в числе прочих героев присутствует добрый волшебник Проспер Альпанус. Он одет в золотой плащ, его карету везут два серебряных единорога, а когда карета едет, раздаются «чарующие, неземной красоты звуки, будто бы кто-то играет на басах гигантской стеклянной гармоники».
В наше время про стеклянную гармонику мало кто знает и помнит. Даже в московском музее музыки на улице Фадеева (коллекция там просто богатейшая, если ни разу не были, обязательно сходите), к сожалению, нет ни одного экземпляра этого музыкального инструмента.
В 1761 году американский учёный и изобретатель Бенджамин Франклин (тот самый, портрет которого можно увидеть на банкноте в 100 долларов США) изготовил 37 больших стеклянных бокалов-колокольчиков, каждый из которых издавал свою собственную ноту. Затем он аккуратно просверлил в этих бокалах отверстия и усадил бокалы на общую ось; ось приводилась во вращение механизмом с качающейся педалью (как старинная швейная машинка).
Бенджамин Франклин и его изобретение
Под бокалами Франклин установил ванночку, в которую налил смесь воды с уксусом; нижний край колокольчиков был погружен в жидкость, и, вращаясь они непрерывно смачивались. Касаясь пальцем края вращающегося колокольчика, исполнитель извлекал звук. Да какой! Сам изобретатель описывал его, как «несравненно сладкий и приятный, протяжный, превосходящий в этом отношении любые другие музыкальные инструменты; прижимая палец то сильнее, то слабее, можно добиваться непревзойдённой выразительности». Новый инструмент назвали «стеклянной гармоникой».
Композиторы того времени были просто в полном восторге от изобретения Франклина! Доницетти и Сен-Санс, Бетховен и Моцарт, Глинка и Чайковский – удивительный, ни на что не похожий, нежный, загадочный, потусторонний звук стеклянной гармоники пленил всех. Так что совсем неудивительно, что коляска Проспера Альпануса в сказке Гофмана издаёт звуки именно этого инструмента! Михаил Глинка использовал стеклянную гармонику для изображения чудес колдуна Черномора в опере «Руслан и Людмила», Пётр Чайковский – для танца Феи Конфет (Феи Драже) в балете «Щелкунчик».
Но куда же исчез этот чудесный инструмент и почему? Вот тут начинается загадочная история.
Буквально через несколько лет после изобретения и начала распространения стеклянной гармоники начали появляться статьи, в которых авторы уверяли, что невообразимо сладкий звук этого инструмента... сильно действует на психику и даже способен свести с ума! Многие врачи всерьёз утверждали, что звучание стеклянных колокольчиков способно довести до сильнейшей депрессии, «чёрной меланхолии» и даже самоубийства! Приводили десятки случаев, когда молодые и полные сил музыканты умирали от страшной тоски, даже перед смертью умоляя, чтобы им ещё хотя бы раз дали сыграть на любимой стеклянной гармонике...
Ещё больше мистики вокруг стеклянной гармоники добавил знаменитый врач и гипнотизёр того времени – Франц Месмер. Этот чудо-доктор утверждал, что с помощью магнитов, «магнитной воды» и особенного «внутреннего магнетизма» может исцелять любые болезни. Свои «магнетические» сеансы он всегда сопровождал игрой на стеклянной гармонике. Бьющиеся в истерике и кривляющиеся под «потусторонние» звуки гармоники пациенты Месмера (современные исследователи говорят, что это было самовнушение или массовый гипноз) добавляли загадочности, таинственности и мрачности – в общем, общественное мнение довольно скоро обратилось против «проклятого» музыкального инструмента.
Сеанс "месмеризма". Карикатура
Стеклянная гармоника была забыта. Партии стеклянной гармоники в операх стали исполнять на совершенно другом инструменте – челесте.
Что же говорит на этот счёт современная наука? Способна ли стеклянная гармоника воздействовать на психику? Действительно ли её чарующий звук смертельно опасен?
Во-первых, исследования показали, что основные обертоны стеклянной гармоники лежат в области частот от 1 до 4 килогерц – а это очень специфическая «звуковая зона». Звуки с частотой выше 4 килогерц наш мозг довольно легко локализует (то есть определяет направление, откуда пришёл звук), сравнивая громкость их звучания на правом и левом ухе. Звуки с частотой ниже 1 килогерца человек так же способен хорошо локализовать в пространстве за счёт разницы в фазе. А вот звук стеклянной гармоники попал в тот самый диапазон, который наш мозг воспринимает, но «не понимает, откуда»! Кажется, что звучание идёт отовсюду, что звучит не инструмент, а как бы сам воздух – естественно, у эмоциональных людей это вызывало восторг, смешанный с растерянностью; а у психически нездоровых такое действительно могло спровоцировать нервный припадок.
Во-вторых, для облегчения игры на стеклянной гармонике Франклин пометил колокольчики краской – а в те годы краски делались преимущественно на основе оксидов и солей свинца. Руки музыканта постоянно контактировали со свинцовой краской – и яд (а свинец – это самый настоящий яд!) медленно, но неизбежно скапливался в организме. В итоге музыкант действительно мог получить медленное отравление свинцом, со всеми вытекающими отсюда симптомами – анемией, головной болью, депрессией, потерей аппетита, проблемами с памятью, бессонницей и даже сильнейшими нервными припадками. Постоянное вдыхание музыкантом паров уксуса (уксусной кислоты) из ванночки также могло сыграть определённую роль. В общем, виновата была не стеклянная гармоника, а использовавшиеся в то время материалы.
Современные музыкальные энтузиасты пытаются возродить искусство игры на стеклянной гармонике и реабилитировать незаслуженно оболганный инструмент. В наше время для разметки стеклянных колокольчиков гармоники применяются совершенно безопасные синтетические краски, а также стекло с высокой способностью к смачиванию – чтобы инструмент зазвучал, достаточно просто окунуть пальцы в чашку с обычной водой. Для вращения колокольчиков вместо педального привода используется бесшумный электромотор.
Послушайте, как звучит «Танец Феи Драже» Чайковского, сыгранный именно на том инструменте, для которого композитор сочинил это произведение.
...и пять ошибок, которые важно при этом не допустить.
Для чего учиться играть на музыкальном инструменте, если не собираешься быть музыкантом? Зачем ходить в музыкальную школу? Времени и сил уходит много, а какой прок? Выступить на школьном концерте пару раз в году?
Наблюдения и исследования учёных показывают, что в процессе занятий музыкой развиваются важнейшие эмоциональные, интеллектуальные и социальные навыки, способные помочь добиться успеха в совершенно немузыкальных областях.
1. Развитие памяти
Обучение музыке – фантастическая тренировка для мозга, объединяющая в единое целое зрительную, слуховую и двигательную память. Врачи и психологи доказали, что дети, обучающиеся игре на музыкальных инструментах, воспринимают и запоминают информацию лучше «обыкновенных» сверстников.
2. Улучшенная координация движений
Наблюдения учёных показывают, что дети, обучающиеся игре на музыкальных инструментах, обладают намного лучшей координацией движений. Они быстрее обучаются плаванию, езде на велосипеде, работе с механизмами и приборами – их мозг «натренирован» обрабатывать нервные связи типа «глаз – рука» намного быстрее.
3. Улучшенные математические способности
Одна из основ музыки – это ритмика, умение разделять временные «импульсы» на составные части. Поэтому дети, которые обучаются игре на музыкальных инструментах, естественным образом развивают свои математические навыки. Такие непростые операции, как счёт, деление или сложение дробей дети-музыканты воспринимают легко и быстро.
4. Более развитая техника чтения и понимания текста
Игра на музыкальном инструменте – это постоянное чтение и восприятие текста (ноты, табулатуры, аккордовые последовательности). Ребёнок постоянно распознаёт в тексте ноты, выделяет и обрабатывает информацию о том, какие у этой ноты должны быть длительность, высота, громкость. В результате дети, обучающиеся игре на музыкальных инструментах, в школе показывают в среднем лучшие результаты на уроках языка и литературы.
5. Улучшение восприятия речи
При обучении игре на музыкальном инструменте ребёнок учится внимательно слушать и различать различные аспекты звучания – интонацию, громкость, тембр, ритмику. Умение концентрироваться во время слушания существенно улучшает восприятие ребёнком человеческой речи, понимание смысла сказанного и запоминание.
Каких ошибок следует избегать при обучении ребёнка музыке?
1. Ошибка цели
«Ты будешь учиться музыке» – очень неудачная мотивация. Музыка огромна, музыке люди учатся всю свою жизнь. «Учиться музыке» – звучно, но для ребёнка малопонятно. Ставьте простые и понятные цели: «Давай научимся играть вот эту песенку на пианино!».
2. Ошибка времени
Начинать учиться музыке нужно как можно раньше. Начинать учиться музыке в возрасте «прощания с детством» (10-12 лет) будет очень тяжело – в это время ребята активно отвергают всё детское, «малышачье», в том числе и музыку. Учить что-то «серьёзное» и «крутое» с нуля не получится, а учить «Во поле берёзка стояла» и «Во саду ли, в огороде» 11-летний ребёнок может наотрез отказаться.
3. Ошибка предмета
Никогда не пытайтесь выбрать музыкальный инструмент за ребёнка. Если ему хочется учиться играть на гитаре – не отдавайте его в класс фортепиано. Если ребёнок хочет учиться на нескольких инструментах сразу – дайте ему попробовать; скорее всего он поймёт, что это тяжело, и сделает выбор самостоятельно.
4. Ошибка средства
Технические упражнения (гаммы, арпеджио, этюды и так далее) не должны отнимать больше 20% времени занятий. Упор делайте на те песни и пьесы, которые ребёнок хорошо знает и любит – например, на песни из мультфильмов. Бесконечные гаммы – гарантированный способ навсегда заставить ребёнка разлюбить музыку.
5. Ошибка оценки
Никогда не оценивайте занятия ребёнка по затраченному времени («занимался 40 минут», «занимался 2 часа» и т. д.). Ставьте чёткие цели – «выучим вот это место в песенке» и оценивайте только результат – «получилось» или «не получилось». Если «получилось» за 10 минут – смело отпускайте ребёнка гулять. Если долго «не получается» – упрощайте поставленную задачу.
Прочесть отзывы читателей о журнале "Лучик" можно здесь и здесь.
Как дети слышат и воспринимают речь? Совершенно не так, как взрослые. Взрослый, услышав незнакомое слово, обычно уточняет – что это такое. Однако у детей словарный запас ещё очень мал, а незнакомых слов вокруг сотни и тысячи – разве найдёшь время спрашивать про каждое? Так что большинство непонятных слов дети помещают в свой словарь «на ходу», а значения попросту угадывают или додумывают сами, по мере фантазии.
Очень часто незнакомые слова как бы сами собой превращаются у ребёнка в знакомые. Например, СССР, ноябрь,1982 год. Девочка спрашивает у папы: «Что такое траулер?» Папа объясняет: рыболовецкое судно со специальной сетью – тралом и холодильной установкой для заморозки выловленной рыбы... Девочка несколько секунд напряжённо думает. Потом спрашивает: «А почему, из-за того, что Леонид Ильич Брежнев умер, объявили траулер?»
Мы решили составить свой небольшой список «недослышанных» взрослых песен с их «переводом на детский язык» – однако наверняка вы вспомните, что ещё можно туда добавить...
🔸А. Островский, З. Петрова, «Спят усталые игрушки», 1964
Многие мальчики и девочки были убеждены, что на свете есть некто или нечто под названием «Деня пять». Ну, как корабль «Восток два» или станция «Северный полюс один». Потому что каждый вечер слушали песенку «Баю, баю, завтра будет Деня пять». В более поздних записях, кстати, вокалист между словами «день» и «опять» стал давать микропаузу. Не иначе, по подсказке педагогов.
🔸А. Пахмутова, Н. Добронравов, «Надежда», 1971
Не знаю как у вас, а у нас в детском саду дети дружно пели «Надежда – мой конь подземно́й». Такой вот сказочный конь, как Сивка-Бурка, вещая каурка, раз! – и появляется из-под земли. А если кто говорил что надо не «подземнóй» а «подзéмный», отвечали, что «в песенках так можно» [оригинал: «надежда, мой компас земной»].
🔸Д. Тухманов, Р. Рождественский, «Мы – дети Галактики», 1978
Песня была очень красивая сама по себе, а мамы и бабушки от красавца Льва Лещенко просто таяли. Дети пели следом за мамами и бабушками, но по-своему. Вариантов было два «Мы дети-халатики» и «Мы – дети в халатиках». Про галактики нам никто не объяснял, а вот халатики (в детсаду и для уроков труда в началке) были постоянной частью гардероба.
🔸В. Высоцкий, «Он не вернулся из боя», 1969
Почти до самого школьного возраста я (и не только я) был убеждён, что в куплете поётся «Нам и время – стекло на обоях». Взрослые и в те давние времена обожали без конца обсуждать ремонт квартир, и про «обои» детям было намного понятнее [оригинал: «нам и время текло для обоих»].
🔸Ю. Антонов, Л. Фадеев, «Море, море», 1981
Когда песню распевает вся страна, дети в стороне никогда не останутся. Но вот слова припева у нас были такие: «Море, море, мир бездомный // Вермишели жёлтой нежной». Потому что по-другому было непонятно, а вот вермишель – это самое что ни на есть родное, с обеда, и цвет жёлтый без сомнения [оригинал: «...мир бездонный // Мерный шелест волн прибрежных»].
🔸«Шумел камыш» (народная)
Собиравшиеся на вечеринки взрослые и в те годы тоже любили петь – как и сейчас. Иногда под баян, но чаще просто так. Песня про «Шумелку-мышь» детям очень нравилась, и вообще весёлая Шумелка-мышь стала частью детского фольклора. Мальчик, вдруг решивший в творческом порыве погрохотать крышкой о пустое ведро, маме, влетающей в кухню в предынфарктном состоянии: «Мама!! Я – Шумелка-мышь!»
🔸А. Верестовский, Ф. Глинка, «Тройка», 1831
Вдогонку о взрослых вечеринках. Под тот же баян довольно часто пелась песня про «тройку почтову́ю», в которой было много непонятного – например «...вдоль по дорожке стал бовой». Но самой загадочной вещью в песне был «колокольчик Дарвалдая». Кто такой Дарвалдай – штука неясная, большинство во дворе склонялись к мнению, что это колдун типа Бабая, только из другой сказки. [В оригинале «колокольчик, дар Валдая».]
🔸И. Николаев, В. Сауткин, «Программа телепередач», 1986
А вот это уже из репертуара первых в жизни дискотек в летнем (тогда пионерском) лагере. Под припев «Нет, нет, нет, нет, мы хотим сегодня!» колбасились и вожатые, и дети. Правда, строчка «Девять часов, золотой ключик, коротко и страшный сюжет» меня сильно удивляла. Засыпая после дискотеки, я напряжённо думал, что же такого страшного в сюжете «Золотого ключика» [в оригинале: « короткометражный сюжет»].
🔸М. Дунаевский, Ю. Ряшенцев, «Песня мушкетёров» и др., 1978
Среди детских «переозвучек» песни из этого фильма занимают особое место. Тут и «Пол-клопа» («кукла Фа») вместо «пуркуа па, пуркуа па», и «Сутьбеню раз щипнём» вместо «судьбе не раз шепнём», но коронное – это, конечно, загадочная «красавица Икупко» (по другой версии – «красавица Икуку»). В конце концов, если в группе есть девочка по фамилии Хорошко и мальчик по фамилии Обабко, почему бы не быть красавице с фамилией Икупко?! [ в оригинале «красавице и кубку»].
🔸Группа Boney M, «Daddy cool», 1976
«Бони Эм» на магнитофоне у старшего брата – наше всё, ну а про что песни? Незнание английского языка, как известно, не освобождает от поиска смысла. «Ване! Жарит кур! Варвара жарит кур!» – истово голосила мелкота во дворах начала 80-х. [ оригинал: «Wild about daddy cool»].
А также почему музыкальные инструменты со временем только дорожают?
Музыкальный инструмент – штука довольно дорогая. Конечно, во все времена существовали совсем простые, стоящие сущие копейки музыкальные инструменты. Скажем, любой деревенский мальчишка старше пяти лет ещё лет 150 назад мог в два счёта вырезать свистульку или сделать дудочку. А уж какой-нибудь «ударный инструмент» типа кастаньет или духовой типа диджериду и делать не надо: нашел на берегу два камня или подобрал в лесу проеденный термитами пустой древесный ствол – вот и готово дело!
Игра на диджериду
Но, сами понимаете, много музыки на таких инструментах не сыграешь, слишком уж они примитивны. В лучшем случае у вас получится что-то типа музыки австралийских аборигенов. Любопытно, «прикольно», но... однообразно и быстро надоедает. На таких инструментах не сыграть ни Моцарта, ни современную танцевальную музыку, ни даже детсадовскую «Жили у бабуси».
А более сложные по конструкции музыкальные инструменты требуют и особых материалов, и много вложенного опыта и труда. Изготовить собственными руками скрипку или гитару намного сложнее, чем, скажем, табурет, стол или книжную полку! А потому стоимость «настоящих» музыкальных инструментов никогда не была маленькой. Ещё в глубокой древности мастера не стеснялись украшать арфы золотом, перламутром, полудрагоценными камнями – таковы, например, знаменитые арфы из Ура. Самая лучшая из них, так называемая «Арфа с головой быка», изготовленная около 2500 года до нашей эры, была жемчужиной Иракского музея – однако она погибла во время варварского «освобождения» Багдада американцами в 2003 году.
"Арфа с головой быка" (справа – фрагмент)
В XVII веке купить себе настоящую скрипку или гитару мог только весьма состоятельный человек! Скажем, скрипка «обычной работы» стоила 10-15 серебряных талеров, скрипка работы итальянского мастера (Страдивари или Гварнери) стоила уже около 400 талеров, а лучшие скрипки того времени (Амати, Штайнер) могли стоить свыше 1000 талеров. Много это или мало? Обычный рабочий в те времена зарабатывал около 8 талеров в год, священник – 20 талеров в год, мальчик-ученик – 1 талер в год. 10 талеров в год стоило обучение ребёнка в школе. Теперь понимаете насколько дорогим удовольствием была покупка скрипки?
А если мы возьмём музыкальный инструмент «попроще», «понароднее» – скажем, гармошку? А гармошка, оказывается, тоже стоила весьма дорого! Дерево, кожа для изготовления меха, металл для голосовых планочек, плюс работа мастера. Самая дрянная гармонь в России в конце XIX века на ярмарке стоила 3 рубля – по тем временам довольно неплохие деньги. Тогдашняя средняя зарплата рабочего на фабрике – около 20 рублей в месяц; хорошая же гармошка на той же ярмарке стоила 10-15 рублей! Не сказать, чтобы уж совсем-совсем дорого, то есть если есть сильное желание, то скопить денег и купить вполне можно – но ни в коем случае не дёшево, согласитесь.
Ближе к современности музыкальные инструменты стали доступнее, но... совсем ненамного! Скажем, знаменитый американский музыкант, исполнитель рок-н-ролла Джерри Ли Льюис родился в 1935 году в семье небогатого фермера. Когда стало ясно, что у мальчика большие способности к музыке, родители «напряглись» и купили ему пианино – но для этого им пришлось ни много ни мало заложить собственную ферму! Даже в наше время цены на новые «настоящие» (то есть не цифровые) пианино от именитого производителя начинаются где-то от 400 000 рублей, а уж хороший концертный рояль может стоить миллионы и десятки миллионов... Каждому ли это доступно?
Джерри Ли Льюис
Конечно, рояль – это инструмент элитный, из-за размеров его далеко не в каждую квартиру можно поставить. Безусловно, существуют намного более доступные музыкальные инструменты – те же гитары или балалайки. Однако даже простенькую ученическую гитару вы за 500 рублей не купите. И даже за 1000. Зайдите как-нибудь в музыкальный магазин и посмотрите. Копеечных ценников вы там не найдёте!
Вообще говоря, цены на музыкальные инструменты вызывают у некоторых сильное удивление. Скажем, гитара или скрипка мастеровой работы или хорошей фирмы с годами не становится дешевле – она дорожает! Мы с вами привыкли к тому, что «старые» вещи – скажем, игровые приставки, компьютеры, одежда, даже автомобили – с годами стремительно дешевеют. Скажем, купили мы новенькую автомашину в автосалоне за миллион рублей. Через 3-4 года вы сможете продать этот автомобиль в лучшем случае за полмиллиона. Ещё через 3-4 года будете очень рады, если его удастся продать за 200 тысяч рублей. А ещё лет через 5 будете просто счастливы, если его кто-то вывезет «на металлолом» за бесплатно. А что уж говорить о компьютерах или игровых приставках? Сколько денег вы готовы заплатить за компьютер, выпущенный 20 лет назад? Если только вы не директор музея древностей? Сто рублей? Двести?
А вот музыкальные инструменты – совсем другое дело. Скажем, синтезатор Yamaha DX7 был выпущен в 1983 году, почти 40 лет назад, и стоил 2000 долларов. Так вот – этот синтезатор пользуется у музыкантов спросом до сих пор, и на вторичном рынке стабильно стоит около 300 долларов, плюс-минус. И это – сделанный из пластмассы серийный цифровой синтезатор!
Синтезатор Yamaha DX7, 1983 г.
А если мы возьмём, например, электрогитары – тут цены и вовсе начинают расти! Электрогитара Fender Stratocaster, выпущенная в 1969 году и стоившая тогда около 300 долларов США, сейчас обойдётся вам от 5 до 10 тысяч долларов. Без шуток!
Fender Stratocaster, 1969 г.
А интересно, что станет с музыкальными инструментами дальше, «в будущем»? Все эксперты согласны с тем, что музыкальные инструменты будут и дальше дорожать. Это связано не только со сложностью производства, но и с удорожанием материалов. Ведь для подавляющего большинства «настоящих» (то есть акустических) музыкальных инструментов нужно дерево. Причём дерево строго определённых пород, исключительно высокого качества, выдержанное много лет. Скажем, древесина для изготовления качественных пианино и роялей должна быть выдержана не менее 25 лет! Иначе инструмент спустя какое-то время после покупки начнёт постоянно «капризничать», «терять звук», и к нему придётся чуть ли не каждый месяц вызывать настройщика. А запасы леса, особенно первоклассного леса, на нашей планете очень быстро «тают», к сожалению. Причём «возобновление ресурсов», то есть выращивание молодого леса вместо спиленного, в данном случае мало чем поможет. Для изготовления хороших музыкальных инструментов (в отличие, скажем, от мебели) необходима именно «старая» древесина!
Например, очень многие до сих пор спорят – отчего так замечательно звучат скрипки работы итальянских мастеров XVII века, тех же Страдивари или Гварнери?
Кто-то утверждает, что всё дело в секретных формулах лака, кто-то – что мастера использовали какие-то секретные грунты с вулканическим пеплом... А некоторые специалисты говорят, что на самом деле всё «элементарно, Ватсон»: Страдивари и Гварнери использовали мелкослойную ель из высокогорных лесов Италии, с возрастом 300-400 лет и выдержкой не менее нескольких десятков лет. Сейчас такой ели на Земле не осталось – её всю попросту спилили! «Срубил он нашу ёлочку под самый корешок» – вот и весь секрет...
Большинству людей Антонио Лучио Вивальди известен по знаменитым «Временам года» и нескольким благообразным портретам. Портреты врут – Вивальди был рыж и носат.
Автор карикатуры Пьер-Леоне Гецци не стремился вот что бы то ни стало исказить облик изображаемых людей, просто подчёркивал их наиболее характерные черты
Люблю появление ткани, Когда после двух или трёх, А четырёх задыханий Придёт выпрямительный вздох... Осип Мандельштам
Итак, Вивальди был рыж и носат, а кроме «Времён года» им написаны ещё 90 опер и 513 концертов. Это, кстати, четыреста часов музыки: каждый концерт длится в среднем двадцать минут, а опера – два с половиной часа. Попробуйте сочинить хотя бы минуту музыки – но такой, которую захотят слушать не только мама и бабушка...
Впрочем, дело в количестве сочинённого. Вивальди не просто писал концерты для солирующих инструментов с оркестром, он изобрёл этот жанр!
Попробуйте представить себе художника, который изобрёл бы... ну, например, портрет. Ни- кому до него не приходило в голову изображать лица людей – а он сел и придумал! Или вообразите писателя, который первым придумал бы сочинять детективы...
Лучик: В интернете написано, что жанр детектива изобретён Эдгаром Аланом По в 1841 году...
Ну нет! Ещё в XVIII веке, больше, чем за полвека до Эдгара По, у нас в России вовсю читали книжку о похождениях Ваньки Каина (историческая личность: сначала вор, а потом сыщик, следователь). Что это было, как не детективы? А в 1789 году, опять же за полвека до американца, русский писатель Михаил Дмитриевич Чулков написал рассказ «Горькая участь», в котором происходит расследование убийства. А «Рассказ о трёх яблоках» из сборника арабских сказок «Тысяча и одна ночь»? Самый настоящий детектив – за 800 лет до Эдгара По! Да что там арабы!..
Две с половиной тысячи лет назад, в Древней Греции, в трагедии Софокла «Царь Эдип» этот самый Эдип расследовал смерть своего отца Лайя, и выяснил, что виновник он сам. А Гамлет в трагедии Шекспира расследовал смерть отца...
Но мы отвлеклись. Поговорим лучше о концерте, об этой замечательной музыкальной форме. По-итальянски «concerto» значит «согласие», «гармония», а происходит это слово (внимание!) от латинского «concertare» – «состязание».
Состязание, противоборство превращается в согласие, гармонию, красоту. В этой истории слова содержится идея концерта. Вначале оркестр как бы « выслушивает» партию солирующей скрипки или виолончели, согласно аккомпанируя им (как бы кивает головой – «да, дорогая, да»), но потом начинает перебивать, «гнуть свою линию» – «дай теперь я скажу»!
Скрипка настаивает, но оркестр тоже упорствует! Тогда скрипка говорит: «Нет, погоди, так мы каши не сварим, мне надо успокоиться». Начинается вторая часть. Она всегда медленная спокойная, меланхоличная, грустная. Все отдыхают, собираются с мыслями и силами. И вот...
Третья часть! Здесь оркестр и солирующий инструмент ладят, они поддерживают друг друга, и настроение третьей части торжественное, жизнеутверждающее. Заканчивается третья часть мощным победительным аккордом...
Как это услышать? Найдите, например, концерт си минор для виолончели, струнных и чембало. Три части. 1. Allegro non molto. 2. Largo. 3. Allegro. Почему именно этот?
Антонио с рождения был астматиком. Бетховен начал глох- нуть под конец жизни, а Вивальди задыхался всегда. Когда слушаешь этот концерт, кажется, что чувствуешь, как вздымается его грудь. «Когда после двух или трёх...»
Вот как полностью называется эта запись: «А. Вивальди. Концерты для скрипки, виолончели, струнных и чембало. Наталья Гутман, виолончель, Олег Каган, скрипка. Ансамбль солистов академического симфонического оркестра Московской Государственной филармонии. Дирижёр Лев Маркиз».
Послушайте эту запись обязательно. Найдите в интернете, например, во «ВКонтакте» в разделе «Музыка». Это важно. Эта музыка учит думать. Послушайте раз, другой, третий – и вы почувствуете, поймёте, как это важно, когда «после двух или трёх, а то четырёх» попыток у тебя получается. И ты начинаешь слышать. И понимать. И приходит глубокий выпрямительный вдох. Глоток чистой радости.
Это была статья из апрельского номера журнала "Лучик", познакомиться с ним можно на этом видео:
Также в номере: загадки курганов. Что такое аналемма? Почему люди бывают правшами и левшами, а обезьяны нет? Откуда приходят духи – и как возникает религия? Большая игра!
