Перед нами две створки алтаря: «Святой Иероним» и «Святой Доминик». Раньше это был единый ансамбль, но в 1928 году советская власть разделила его: центральную часть («Благовещение») передали в Москву, в Пушкинский музей, а боковые створки остались в Эрмитаже.

Боттичелли начинал как любимец семьи Медичи, автор чувственных «Весны» и «Рождения Венеры». Но в конце жизни он попал под влияние фанатичного проповедника Савонаролы, который призывал сжигать предметы роскоши и каяться. Это изменило его стиль: краски стали суше, а образы - тревожнее и аскетичнее.

• Святой Иероним. Мы видим его в момент крайнего изнурения. Он стоит на коленях перед распятием, в руке у него камень - им он бил себя в грудь, «умерщвляя плоть». Лилово-розовая накидка лишь слегка прикрывает его тело.

• На пне лежат книга и череп - классическое напоминание о том, что жизнь быстротечна (memento mori). А красная шляпа, висящая у входа в пещеру - знак его кардинальского сана.

• Святой Доминик. Вторая створка изображает основателя ордена доминиканцев. Вместе с Иеронимом они представляют две стороны духовного пути: суровое отшельничество и строгое служение церкви.

Филиппино Липпи

«Поклонение Младенцу Христу»

В чем разница между отцом и сыном:

• Если у отца (Филиппо) пейзаж был скорее декорацией, то Филиппино первым начал передавать «воздух». Дальние горы на его картинах становятся голубоватыми и дымчатыми - именно так, как мы видим их в реальности. -

• Природа на картинах Филиппино перестает быть просто фоном. Она создает настроение, придает сцене лирическое, почти музыкальное звучание.

• Мадонна окружена ангелами, чьи крылья кажутся абсолютно прозрачными и невесомыми. Это высший пилотаж техники того времени.

В мире сохранилось всего около 14 живописных работ Леонардо.

1. «Мадонна Бенуа» (1478):

Это ранняя работа 26-летнего мастера. Для XV века она была скандально реалистичной.

• Вместо застывшего лика - юная флорентийка, которая просто играет с сыном.

• Четыре лепестка крестоцвета - это намек на будущее Распятие, но здесь младенец тянется к нему с чисто человеческим любопытством исследователя.

• Леонардо одним из первых в Италии перешел с яичной темперы на масло . Это позволило ему изобрести сфумато - эффект мягкой дымки, из-за которой границы между телом и воздухом кажутся неуловимыми.

«Мадонна Литта» (1490):

Написанная в Милане 12 лет спустя, эта картина выглядит иначе:

• Персонажи более отрешенные и величественные. Леонардо не рисует нимбы, но делает фигуры настолько совершенными, что их божественность считывается без символов.

• Присмотритесь к телу младенца - благодаря тончайшей игре света и тени (кьяроскуро) оно кажется осязаемым и объемным.

• Младенец смотрит не на мать, а на нас с вами, вовлекая зрителя в пространство картины.

Понтормо:

Эта картина - классический пример того, как рушатся правила Ренессанса. Понтормо (1494–1557) создает образ, полный внутренних конфликтов.

• Лицо Мадонны и тело Младенца прописаны очень объемно, почти скульптурно. Но посмотрите на складки её одежды - они кажутся плоскими, словно вырезанными из картона. Этот диссонанс - любимый прием маньеристов.

• Взгляд Марии кажется отстраненным и холодным, но если присмотреться, её глаза полны слез. Она больше не «земная мать» из картин Леонардо, она - трагический образ, предчувствующий финал.

• Младенец играет с птичкой-щегол. В искусстве того времени щегол был символом Страстей Христовых (согласно легенде, он вырвал шип из тернового венца Христа, и капля крови окрасила его перья). Игра ребенка с птицей здесь - не забава, а принятие своей судьбы.

«Любовная сцена» - под таким условным названием известна эта монументальная работа Джулио Романо (1499–1546), самого талантливого и дерзкого ученика Рафаэля.

Если его учитель стремился к божественной чистоте, то Романо стал одним из идеологов маньеризма, где на первый план вышли сложные позы, игра подтекстов и откровенная чувственность.

• Сюжеты с явным эротическим подтекстом стали визитной карточкой маньеристов. Это было искусство для узкого круга интеллектуалов и аристократов, которые ценили смелость и новизну.

• Несмотря на интимность темы, композиция выполнена в монументальном стиле. Романо использует мощные формы и сложные ракурсы, которые он перенял из росписей своего учителя, но наполнил их совершенно иным смыслом.

• В маньеризме часто важна не только сама сцена, но и то, как она вписана в интерьер, как ложится свет и какие эмоции считываются в жестах героев. Здесь нет места простоте - всё подчеркнуто «манерно» и театрально.

Присмотрись к левому краю картины: в дверном проеме за парой наблюдает пожилая женщина. Искусствоведы до сих пор спорят, кто это.

• По одной версии - это сводня, что превращает сцену в описание быта куртизанки.

• По другой - это кормилица, охраняющая покой госпожи. Наличие этой «третьей фигуры» создает эффект подглядывания (вуайеризма), который так любили маньеристы.

Долгое время считалось, что это просто жанровая сцена. Однако детали указывают на мифологический или исторический подтекст.

• На изголовье кровати вырезаны фигурки Сатира и Нимфы, что намекает на дикую, природную страсть.

• Некоторые исследователи полагают, что на картине изображены Зевс и Алкмена (мать Геракла), к которой бог явился, приняв облик её мужа.

Джулио Романо был автором знаменитой серии рисунков «I Modi» («Позы»), к которым поэт Пьетро Аретино написал весьма откровенные сонеты. За эту серию Романо едва не попал в тюрьму и был вынужден бежать из Рима в Мантую. Эрмитажная картина - отголосок той скандальной славы художника.

• В правом нижнем углу видна маленькая собачка (символ верности, который здесь выглядит иронично) и домашняя туфля, небрежно сброшенная у постели.

• На окне стоит фигурка Афродиты (Венеры), недвусмысленно указывающая, что в комнате царит богиня любви.

Картина попала в Россию из коллекции лорда Уолпола в 1779 году. В XVIII и XIX веках её считали слишком откровенной и часто держали в закрытых фондах или вешали в местах, недоступных для широкой публики.

Работа венецианца Чима да Конельяно «Благовещение» (1495) это идеальный пример раннего Возрождения. Религиозный сюжет здесь превращается в уютную бытовую сцену.

Художник перенес действие в обычный венецианский дом своего времени.

• Высокая кровать, занимающая полкомнаты, массивное окно с деревянными ставнями и двойная мраморная колонна - типичный элемент архитектуры Венеции.

• Мастер настолько точен, что изобразил даже разбитые стёкла в окне собора на заднем плане.

В XV веке каждая деталь имела подтекст:

• Белый цветок в руках архангела Гавриила - символ чистоты Девы Марии.

• На ножке стола притаилась муха. В то время она символизировала грех и силы зла, которые будут побеждены Христом.

• Рядом с подписью художника и датой можно заметить насекомых. Оса, вероятно, связана с эмблемой гильдии производителей шелка, заказавших картину. Пчела же часто символизировала божественное вдохновение.

• По верху кровати идет цитата из пророка Исаии: «Се, Дева во чреве приимет и родит Сына, и нарекут имя Ему: Эммануил».