Redrac666

Сложно переоценить значение логотипа группы. Вы открываете новый для себя альбом в стриминге или покупаете винил или диск (думаю, сейчас это редкость), первое что вы видите - обложка и лого. Логотип врезается в подкорку вашего мозга и плотно связывается с самой группой. При этом, сложно не заметить, что логотипы не свойственны поп-исполнителям, где узнаваемость больше идет от самой личности и чаще можно увидеть на обложках самого артиста. Как вы, наверное, уже поняли, я веду всё к простой мысли — в метал-музыке логотип важен так же, как флаг для страны. И вы можете называть Кристофа Шпайделя одним из главных ваятелей этих флагов.

Кристоф рисовал с детства, при этом проявляя особое внимание к искусству средневековья. В конце 80-х он начал околачиваться в разных андеграундных метал-тусовках, где начал рисовать первые метал лого для разных неизвестных групп, а также около фанатского магазина Septicore (если я правильно понял, это был небольшой магазин, где продавали кассеты местные бельгийские метал группы). Ну а далее наступили 90-е, начало которых выпало на развитие разных метал-жанров, в том числе и блэк-метала. Большое количество групп резко стало нуждаться в хороших лого и навыки Кристофа пригодились как нельзя кстати. В 1989 году Кристоф рисует логотип для бельгийской группы Morbid death (это первое название Enthroned), а в 1991 для Emperor.

Помимо того, что группа за несколько лет стало очень известной и вошла в первую волну блэк-метал сцены, так еще и на развороте их дебютника In the Nightside Eclipse фигурировало имя Кристофа, как автора логотипа. Кристоф резко набрал популярность и начал штамповать логотипы как конвейер. Сейчас будет немного невозможное число, но подсчетам Кристофа он нарисовал более 10 тысяч лого и исписал около сотник скетчбуков А4! На сколько это правда, сложно сказать, потому что Кристоф много оформлял логотипы групп, которые так и не стали известны и, возможно, даже не издавались на цифровых носителях. Но факт, что Кристоф действительно приложил руку ко многим известным логотипам: Moonspell, Borknagar, Enthroned, Troll и многие другие.

Любимыми логотипами сам Кристоф называет Abigail Williams, Enthroned и Wolves in the Throne Room, которые были нарисованы в ранний период его творчества.

На примере Шпайделя удобно рассмотреть специфику логотипов разных жанров. Дэт-метал лого выполнены с колючим неровным контуром, блэк-метал логотипы часто состоят из каллиграфических шрифтов, а стонер и дум-метал имеют воздушные гладкие формы. Простыми приемами, Шпайдель пытается передать специфику каждого жанра, давая понять слушателю, что он сейчас услышит.

Шпайдель часто рисует прямо на концертах. Таким образом он набирается вдохновения, а также пополняет клиентскую базу.

Самое странное открытие было сделано при изучении его сайта с портфолио в котором (внезапно) фигурировала категория "поп исполнители". Кристоф Шпайдель сделал логотипы для Эда Ширана, Рианны, нескольких старых рэп-групп (типа Outkast, Run DMC), Bruno Mars и других. Как художник метал-лого стал рисовать логотипы для поп-исполнителей? Периодически в поп-музыке вдруг появляется спрос на метал-атрибутику: Канье Уэст, Джастин Бибер и другие носили футболки с метал-мерчем (без понятия, на сколько они были осведомлены о группах, мерч которых носили). С Рианной вышла похожая история. Дизайнер Уило Перрон, который занимался оформлением тура Рианны оказался фанатом Шпайделя! Он заказал логотип у Шпайделя и та выступала с ним в туре:

Подозреваю, что с остальными исполнителями была похожая история, что говорит о высоком спросе в мире на метал-эстетику.

В общем, Шпайдель является хоть и яркой личностью, находится постоянно где-то в тени, что видимо является уделом его профессии. Другие его лого можете посмотреть здесь. По традиции, вставляю цитату героя поста (получилось жизнеутверждающе):

Жизнь — это дар. Она дает вам возможность, привилегию и ответственность сделать что-то, становясь лучше. Успех — это когда вы терпите неудачи, не теряя своего энтузиазма. Не имеет значения, сколько раз вы пробуете, терпите неудачу, экспериментируете, повторяете и пытаетесь снова. Что действительно имеет значение, так это то, что вы сохраняете свой энтузиазм невредимым и каждый раз поднимаетесь выше, когда падаете.

Я думаю не надо говорить о том, насколько популярна экологическая повестка в 21 веке. Ну и осмысление экологии в искусстве тоже имеет место быть. Но мало кто это делал так, как это сделала американская группа из Сан-Диего Cattle Decapitation.

Какие-то странные эко-активисты...

В метале, в принципе, часто затрагивают тему антропогенного вмешательства в окружающую среду. К пример Gojira. Французская банда на протяжении всего своего существования активно эксплуатирует эко-тему (в хорошем смысле, ибо группа отправляет существенную часть заработка в фонды по спасению окружающей среды). Но мало просто сказать о том, что с природой беда и животным плохо. Нужно сделать это так, чтобы люди действительно об этом задумались. "А что как не язык жестокости, который используют люди по отношению к животным, подходит для этого?", - подумали Скотт Миллер, Дейв Астор и Гейб Сербиан (кстати, все веганы) и создали группу Cattle Decapitation (с англ. обезглавливание рогатого скота).

На самом деле все просто: просто представьте, что вместо скота находится человек. Такую идею группа использовала довольно долго. Тут вам и фермы из людей (A Body Farm), и эксперименты над животными в химической промышленности, в частности при производстве косметики (Open Human Head Experiments With Bleach Laquer And Epoxy), и гено-модифицированные животные (вообще бесчисленное кол-во песен). Члены группы предлагают человеку стать героем кровавого аттракциона под названием "скотобойня", тем самым обращая внимание слушателя на эко-проблему

С 1997 года лидером группы и единственным, с того времени, несменным участником является Тревис Райан. Группа уже давно преодолела границы грайнда и постоянно экспериментирует с музыкой, добавляя больше мелодики и чистого вокала. Тема про антропогенное вмешательство в жизнь животных сменилась более глобальной "влияние человека на планету". Но тем не менее музыка группы до сих пор ощущается как глоток свежего воздуха в метале.

У группы в этом году вышел новый альбом - Terrasite. В нем Райан прировнял человечество к тараканам, к которым большая часть людей испытывает отвращение. Слово Terrasite образовано от terra (земля) и sitos (еда), т.е. дословный перевод - пожиратели Земли. Между свежим релизом и предыдущим альбомом есть мостик, т.к. в Death Atlas описывался конец человечества, а Terrasite - это некое послесловие на могиле нашей цивилизации.

А еще у группы есть аж две обложки, которые забраковали многие музыкальные магазины из-за непотребного содержания: это To Serve Man (внизу) и Humanure (эту я вставлять не стал, так как могут повесить тег "жесть". Погуглите сами).

В общем, если вы тоже топите за зеленый образ жизни и хотите окружить себя ореолом экологичности, то обязательно ознакомьтесь с их дискографией.

С чем у вас ассоциируются "двойные гитары"? У меня - с рок-н-роллом. Рок-концерт с тысячами зрителей и гитариста, который исполняются крутое соло, перебирая струны сразу на двух грифах. Поэтому для меня было немного удивительно, что мульти-грифовая гитара (на английском мульти-нек, т.е. гриф с англ. буквально "шея") существовала задолго до рока, задолго до джаза, и более того, она существовала примерно столько же, сколько сама гитара. В этом посте мы кратко пройдемся по истории необычного варианта обычного инструмента и узнаем, для чего нужны гитары с двумя, тремя и даже с десятью грифами.

Слэш из Guns N’ Roses с мульти-грифовой гитарой

Не смотря на древнюю историю мульти-грифовых гитар, они всегда были диковинкой. Подавляющее большинство музыкантов вполне устраивал один набор струн, но некоторым артистам нужно было больше. Так что причина появления таких гитар не желание выпендриться, а необходимость создания более гибкого музыкального инструмента. Ведь два грифа имеют больше возможностей для настройки. Так, например, одной из самых популярных вариаций таких гитар является гитара, где один гриф настроен как для 6-струнной гитары, а другой как для 4-струнной бас-гитары.

Пример: Пэт Смир, гитарист Foo Fighters, исполняет как гитарные партии, так и бас-партии

Его гитара - Hagstrom Fantomen Custom

Самые старые мульти-грифовые гитары относят к концу семнадцатого века и вышли из под рук известного французского изготовителя музыкальных инструментов Александа Вобоама. Это небольшая гитара с еще меньшей, почти размером с укулеле, гитарой, прикрепленной сбоку. Этот инструмент был создан для профессионального музыканта, выступающего с ансамблем или оркестром, а цель второго набора струн была позволить игроку менять инструмент на лету.

Гитара Александа Вобоама, датируется примерно 1690 годом

На протяжении 18 и 19 веков мультигрифовые гитары не были широко распространены. Их можно было увидеть на выступлениях музыкантов, но не было серийного производства. Изготавливать их было нелегко, да и не за чем. И кто бы мог подумать, что все поменяет промышленная революция.

Гитара-мандолина. Не нашел фото в хорошем качестве, но вот здесь можно посмотреть экспонаты из университета Йеля. Там, в том числе, гитара-мандолина 1890 года + чертежи

Мультигрифовая мандолина

А 20 век ознаменовался гитарным бумом. Популярность гавайской музыки в конце 1910-х и 20-х сделала гитару (особенно слайд-гитару) общепризнанным инструментом поп-музыки. Портативность и доступность гитары позволили использовать ее всем и везде: от игры на крыльце до джаза в клубе. А потребность в увеличении громкости инструмента привела к электрификации гитары в конце 20-х годов.

Альвино Рэй - пионер в электрофикации музыкальных инструментов. На фото он со своей слайд-мульти-грифовой гитарой - одной из первых таких гитар в истории.

Одним из основоположников электрофикации музыки является Альвино Рей. К мульти-грифовым гитарам Альвино привела одна простая мысль: зачем мне пыхтеть и в попыхах менять настройки гитары во время выступления, если я могу сразу иметь несколько грифов одновременно? В середине 30-х Рей заказал у Gibson ту самую гитару с фотки выше. Также стоит отметить, что Рей самостоятельно разработал звукосниматель для своего банджо.

И лишь в 50-е годы мультигрифовые гитары стали приобретать популярность.

1936 год - СОВЕТСКАЯ МУЛЬТИГРИФОВАЯ ГИТАРА! Может показаться маловероятным, что Советский Союз окажется в авангарде разработки электрогитар, но это так. У этой 23-струнной гитары три грифа.

Я не буду сильно вдаваться в детали и называть кучу имен музыкантов и инженеров (а там очень много, кто так или иначе приложил руку к мульти-грифовым инструментам) и выделю главные фигуры.

Первая - это Пол Бигсби. Пол - еще один основоположник электрогитар и в 1952 году он сделал мульти-грифовую элетрогитару-мандолину для кантри-певца Грэди Мартина. Не сказать, что Грэди Мартин был сильно известным музыкантом, но после этого Бигсби сделал еще около 20 таких гитар.

Слева Грэди Мартин с той самой гитарой

Вторая важная фигура - Джимми Брайант. Джимми Брайант - шестиструнный гитарный виртуоз. В 1954 году Брайант искал новые способы повысить зрелищность своей игры и более гибкий инструменты, чтобы воплотить все свои идеи. Т.е. Брайант искал инструмент, который позволил бы ему играть без необходимости объединяться с другим гитаристом. Так Брайант вышел на Stratosphere Guitar Manufacturing Co. из Спрингфилда, где и заказал мульти-грифовую гитару.

Мультигрифовая гитара от Stratosphere

Третий - Сэми Моузли. Сэми был учеником Пол Бигсби и к концу 60-х заимел репутацию лучшего мастера по изготовлению мультигрифовых гитар в США.

Ну и четвертые - это компания Gibson. Большой игрок вступил на поле мульти-грифов в конце 60-х. В 1958 году Гибсон представил два электрических инструмента с двойным грифом: EDS-1275 Double 12 и EMS-1235 Double Mandolin. Собственно, эти модели стали наиболее распространенными и долгое время Gibson являлся единственным крупным производителем гитар с двойным грифом.

Известные личности, обладавшие этой гитарой: Джимми Пэйдж (Led Zeppelin), Стив Миллер (The Steve Miller Band), Джон Маклафин, Дон Фелдер (Eagles).

Джимми Пэйдж из Led Zeppelin с Gibson EDS-1275. Эта модель производится и по сей день

Конкурентом Gibson была гитара Rickenbacker 4080, ее можно увидеть у Гедди Ли из Rush.

Разработка Gibson стала переломным моментов в истории мульти-грифовых гитар. Таким образом мульти-грифовые гитары добрались до серийного производства.

А что там про 3-4 грифа?

Ну и самая интересная часть. Это, наверное, какое-то странное свойство человека, делать все больше... и всего больше. Вот и количество грифов попало под раздачу. И их расположение.... В этой части поста мы посмотрим странные варианты мульти-грифовых гитар, которые, на мой взгляд, не имеют практической пользы с точки зрения создания музыки, но выглядят зрелищно.

Майкл Анджело Батио и его коллекция

В коллекции Батио более 170 гитар, есть винтажные, очень дорогие (иногда даже неприлично), но жемчужиной является его двойная V-образная гитара, на которой можно играть как правой, так и левой рукой.

Батио вдохновлялся Роландом Кирком, американским джазовым авангардистом, играющим в своих выступлениях сразу на нескольких инструментах. Выглядит живое выступление Батио вот так:

А чуть позже он сделал Х-гитару...

Пятигрифовая гитара

На фото - Рик Нильсон, гитарист Cheap Trick и счастливый обладатель гитары "5 в 1". Сверху вниз: 12-струнная, 6-струнная, 6-струнная, 6-струнная, 6-струнная без ладов. Рик носит гитарный ремешок, но большая часть веса приходится на табуретку (ее на фото не видно).

Билл Бейли - британский комик и музыкант с шестигрифовым монстром. Эта гитара находится в серийном производстве. Вес - 17 кг.

Восьмигрифовая гитара, разработанная художником Джерардом Хуэртавасом и созданная Дэном Нифси из DGN Custom Guitars по заказу Национального музея гитар в качестве экспоната.

Как на ней играют

Есико Сато - японский художник и музыкант. А еще он делает такие гитары. Практическая ценность тут уже нулевая, так как все гитары индентичны. Да она рабочая, но явно не предполагалась как музыкальный инструмент.

Что из этого действительно можно назвать музыкальным инструментом, решать вам. По мне, гитары с двойным (и даже тройным) грифом отлично показали свою практическую значимость за несколько веков.

Дэн Сигрейв - один из самых влиятельных и плодовитых художников в метал-музыке

Дэн родился в Британском Уорксопе в 1970 году и вырос в деревне Рэйвенсхед. В 17 лет он сделал обложку для альбома местной трэш-метал группы «Lawnmower Deth» и стал постоянным художником для группы, а также их звукозаписывающего лейбла «RKT».

Lawnmower Deth (газонокосилка смерти) - пародийная трэш-металл группа.

Я получил этот заказ, потому что знал их, и они сделали ошибку, упомянув, что у них есть контракт на запись. Так что я настоял на том, чтобы нарисовать обложку для их пластинки, что я и сделал, а затем сделал вторую обложку для би-сайда другой группы под названием Metal Duck из Манчестера. Это стало чем-то вроде известного андерграундного/инди-метал-трэш-хита.

Поскольку эти альбомы попали на столы других звукозаписывающих компаний, включая Roadrunner Records в Нью-Йорке, Дэну все чаще стали поступать заказы на обложки метал-групп, а надо учитывать, что конец 80-х стал расцветом дэт-метала, так что не трудно догадаться, на какие обложки имелся наибольший спрос.

Один из самых известных артов Дэна Сигрейва, ставший обложкой для легендарного альбома Morbid Angel - Altars of Madness

Я действительно работал на R.K.T., но потом мои работы увидели Earache Records, так что я стал работать с ними. Earache были более известными, хотя они тоже были новичками. Именно обложка Morbid Angel [Altars of Madness, 1989] привлекла внимание других лейблов. И в 1990 году я сделал свою первую работу для Roadrunner, которая называлась At Death's Door: A Collection of Brutal Death Metal [1990]. Они назвали альбом в честь названия моей картины. Арт был довольно плохим, если быть честным. Делать ее пришлось быстро.

Та самая обложка, не понравившаяся Сигрейву

Музыкальный мир распробовал Сигрейва и заказы потекли рекой. А Сигрейв был только рад, так как заказчики давали ему полную свободу действий и художник мог творить что хотел.

Сам Сигрейв не называет себя фанатом метала, хотя и иногда слушает экстремальную музыку. Перед тем как рисовать обложки, Сигрейв чаще всего не слушает артистов, а просит предоставить название и общую тему альбома.

Entombed - Left Hand Path

Сам Дэн описывает свой стиль, как "скрупулезный". Сигрейв делает акцент на проработку деталей и в своих работах заигрывает с разными темами: от демоничества до городов-будущего, от эволюции до психоделических "храмов" (в кавычках, потому что там не совсем храмы, но именно такое название несет серия работ). В стилистическом плане Сигрейв тоже совершенно разноплановый. Вот три его картины:

Первая как раз из серии "храмы". Можно заметить, что Сигрейв рисует как маслом, так и использует классический инструмент для своей профессии - аэрограф. Работы чаще всего мрачные (тут уж специфика жанра), много используются космические пейзажи (или так только кажется, а это на самом деле Земля после нашей эры). Мне больше всего зашла раннее упомянутая серия "Храмы": странные металлические строения, представляющие собой не то щупальца, не то грибы, заполняют все пространство картины.

Сейчас Сигрейв живет в Канаде. Он по прежнему рисует обложки для метал-альбомов, а также иллюстрации для книг, а недавно сделал фреску 20х20 метров для хард-рок кафе в Оттаве (фото к сожалению не нашел). Дэн Сигрейв стал фигурой в метале знаковой, а его работы стали неотъемлемой частью метал-культуры. Надеюсь, он и дальше нас будет радовать отличными обложками.

Еще несколько работ:

Больше работ художника на официальном сайте здесь.

Прежде чем приступить к обозрению конфликта, окунемся ненадолго в историю жанра. Итак, 1992 год, одной из главных новинок музыкального рок-мира последних лет является гранж. За год до этого Nirvana выпустила культовый Nevermind, сделав гранж по настоящему великим и звучащим из каждого утюга. В общем, американцы установили на время полную гегемонию над рок-музыкой, но, как мы знаем, ничего не бывает вечно. На борьбу с рок-гегеменонией США выступила Великобритания.

Вы можете легко меня подловить на том, что брит-поп не считался жанром музыки, а характеризовался скорее как течение, состоявшее из британских рок-музыкантов начала 90-х, но нельзя не заметить, что музыка брит-поп артистов все-таки имела общие черты, что является результатом их одинаковых корней. Если глянуть список вдохновителей групп из "четверки брит-попа", то вы увидите одни и те же команды: The Beatles, The Kinks, The Who, The Rolling Stones и тд.

Так или иначе к середине 90-х сформировалась "четверка брит-попа", состоявшая из наиболее влиятельных групп этого течения: Blur, Oasis, Suede и Pulp. Наиболее популярными считались первые две которые и стали героями конфликта.

Эти два мужчины с выразительными бровями - Ноэл и Лиам Галлахеры, лидеры группы Oasis.

Между группами не было плохих отношений. По крайней мере, они так думали. Так, например, во время Brit Awards 1995 года Дэймон Албарн (фронтмен группы Blur), после того как Blur получили четыре награды, что было впечатляюще, сказал:

Я думаю, что мы должны разделить это с Oasis».

Иными словами, члены групп хорошо друг друга знали, так как обитали в одной тусовке, и находились в около-дружеских отношениях. Хотя были и неприятные случаи. Так, например, когда Oasis выпустили сингл «Some Might Say» - сингл, занявший первое место в чартах Великобритании, Албарн присутствовал на вечеринке в честь этого события. Там Лиам Галлахер подошел к нему и сказал: «Номер, блядь, один. А ты нет» (первонахи были уже тогда) прямо ему в лицо. Албарн вспоминает, как подумал: «Хорошо, посмотрим…».

Тут надо охарактеризовать братьев Галлахеров. Отношение между братьями были натянутыми всю жизнь и им доставлял удовольствие этот "братский конфликт", но еще больше чем подкалывать друг друга, им нравилось задевать кого-нибудь другого.

Это было на NME Awards. И Blur и Oasis выиграли ряд наград и за кулисами произошел конфликт между Лиамом и Алексом из Blur. Лиам толкнул его и назвал всевозможными частями женской тела. И Грэм (имеется ввиду Грэм Коксон из Blur), благослови его господь, был очень пьян, подошел и поцеловал Лиама в щеку. Алекс был тем, кого они действительно не любили, потому что он был маленьким лордом Фаунтлероем, пижоном-Алексом. Он действительно раздражал их. Oasis не считали Blur настоящими рок-звездами, а Blur на самом деле было похер что Oasis думали.

Стив Сазерленд - организатор NME Awards

Чуть позже была брошена официальная перчатка. На тот момент и у Oasis, и у Blur были запланированы даты выхода альбомов на осень 1995 года: у Blur — на сентябрь, а у Oasis — на октябрь. Это не было проблемой, потому что альбомы выходили в разное время и не мешали друг другу. Но совпала дата выпуска их синглов. Сингл Oasis планировалось выпустить за неделю до сингла Blur «Country House».

Синглы Oasis ("Roll with it") и Blur ("Country house").

Мы думали, что они сошли с ума. Но дело в том, что пластинка достигшая топ чарта первой, как правило, имеет большие шансы остаться первой и через неделю просто потому что она на вершине популярности и все люди ее постоянно слушают.

Это означает, что если Oasis выпустили бы свой сингл на неделю раньше Blur, он, скорее всего, остался бы на первом месте и после выхода сингла Blur, не дав им и шанса. Поэтому Blur решили перенести дату своего сингла. Синглы "Country house" и "Roll with it" должны были выйти 14 августа.

Типичный музыкальный магазин Великобритании 14 августа 1995 года

И вы думаете, что эти парни поругались из-за пары неприятных инцидентов и теперь одна группа решила сбить спесь другой. Но конфликт куда глубже, чем кажется. Старая как мир история: север против юга, богатые против бедных, образованные против невежественных. Речь шла не только о названии или даже музыке — это была битва между британскими классовыми системами. Blur были с Юга. Согласно стереотипам это означало, что члены этой группы были более образованными и финансово стабильными, чем Oasis, которые были с севера. Никто из членов группы Oasis не учился в колледже и до своей музыкальной карьеры они работали строителями. Oasis окрестили Blur «придурками из художественной школы», а пресса назвала Oasis героями рабочего класса. Проблема заключалась не в том, что какое-то из этих утверждений было более или менее верным, а в том, что публика, казалось, была заинтересована в этом одномерном взгляде на группы. Как вы поняли, окружающие были не на стороне Blur.

Национальные СМИ подхватили историю с ссорой двух известных групп, выставив конфликт на первых полосах газет и в телесюжетах. Это был пик славы брит-попа, поэтому все с интересом наблюдали за исходом битвы.

И приходит час Х. Несмотря на то, что Blur проигрывали Oasis в глазах общественности, победа оказалась за ними. Сингл Blur разошелся тиражом 58 000 копий. Затем они выступили на концерте TOTP (top of the tops - лучшие из лучших), купаясь в своей сладкой победе. Алекс Джеймс даже носил рубашку Oasis, что еще больше злило их соперников.

Мне было не все равно, потому что я хотел быть первым. Я думаю, что «Roll With It» — отличная песня. Я встретил Алекса в пабе и сказал ему: «Поздравляю с номером один — уже пора, приятель», а он говорит: «О да. Но в любом случае обе наши песни были дерьмом». И я сказал: «Нет, здесь ты не прав. И именно поэтому я чертовски ненавижу твою группу и тебя. Я думаю, что наша песня была лучше». А потом я сказал: «Хочешь дорожку?», Я дал ему одну и это было круто. Но я все еще думаю, что они дерьмо.

Лиам Галлахер

И все бы хорошо, Blur вроде утерли нос противнику, но не все победители были счастливы. Гитарист Blur Грэм Коксон в беседе с The Daily Mail в 2009 году признал, что успех его группы казался «пустой и бессмысленной победой».

Наша звукозаписывающая компания устроила большую вечеринку с шампанским в Soho House в Лондоне. Я чувствовал, что меня заставляют наслаждаться этим, и я хотел уйти оттуда. Мне было невыносимо быть частью этой толпы, поэтому я попытался выпрыгнуть из окна шестого этажа. Это Деймон отговорил меня от этого.

Грэм Коксон

Война Oasis и Blur только усилилась после битвы в чартах: в сентябре вышел альбом Blur "The Great Escape", а в октябре "(What’s The Story?) Morning Glory" от Oasis. В интервью The Guardian о пластинке, Ноэл Галлахер сказал об Албарне и Коксоне: «Я надеюсь, что они оба заразятся СПИДом и умрут, потому что я чертовски ненавижу их двоих». За шутку он извинился, но осадочек точно остался.

Таким образом Blur выиграли битву, но выиграли ли они войну? И да и нет.

Почему нет

«Morning Glory (What's The Story)" сразу же превзошел по продажам «The Great Escape» Blur, и (очень субъективно но) в перспективе оказал большее влияние на британскую сцену. Почти 30 лет спустя альбом Oasis по-прежнему остается одним из лучших образцов британской музыки всех времен с такими хитами, как Wonderwall, Champagne Supernova и Don’t Look Back In Anger.

Почему да

Ну тут все просто. Blur до сих пор существуют как группа, Oasis уже почти 15 лет как распались из-за расприй между братьями.

Что сейчас

Ноэль Галлахер с Деймоном Албарном в 2012 на Brit Awards

Отношения между Oasis и Blur долго оставались холодными, но за годы ситуация смягчилась. Так Ноэль Галлахер присоединился к Албарну и Коксону на сцене на шоу Teenage Cancer Trust в 2013 году, а в августе 2018 года Албарн признался The Sun: «Мы не говорим о нашем прошлом, мы говорим о нашем настоящем. Я ценю свою дружбу с Ноэлем, потому что он один из немногих, кто прошел через то же, что и я в девяностых».

Вот такая история, которая дала новый виток развития британскому альтернативному року.