Звукорежиссура

1) Не ограничивайте себя.

Обычной практикой для многих продюсеров стало сведение со включённым лимитером. Такие трюки нужно проворачивать с осторожностью, ведь чаще всего, после снятия лимитера с мастера, баланс трека попросту разваливается.

Лучше не вспоминать про лимитер, пока процесс сведения трека не достигнет ментальной отметки порядка 80%. Как только вы добрались до этой стадии, используйте лимитер, чтобы посмотреть, как микс реагирует на изменения на мастер шине.

2) Чертовски свежо!

Сделайте паузу перед тем, как от сведения приступить к процессу мастеринга, чтобы держать ваши уши свежими. Это даст вам возможность быть более объективным в работе.

3) Передискретизация.

Многие динамические плагины высокого класса предлагают режим передискретизации («oversampling») – включение этого режима позволит увеличить частоту дискретизации в два, четыре и восемь раз по сравнению с величиной дискретизации до обработки сигнала. В теории, это может дать вам более чистые результаты и уменьшить количество артефактов.

4) Стерео бас.

Делаете мастеринг трека, который будет играть в клубе или на виниле? Следите за излишним стерео на низких частотах – не только потому что они пропадают на моно системах. Чрезмерное стерео делает не читаемым материал, воспроизводимый на виниле. Используйте фильтр высоких частот в режиме «side» (только стерео) в промежутке 200-300 Гц, чтобы при прослушивании в моно звук был более сфокусированным.

5) Mid/side

Mid\side плагины позволяют разделять звук на стерео и моно составляющие, и изменять их по отдельности в угоду качеству звука. Этот подход помогает добиться нужной стерео ширины на высоких частотах и наоборот, подчеркнуть «мясо» низких частот в моно.

6) «Красная» зона.

Никогда не задумывались, почему при переводе вашего первозданного 24-bit wav трека в mp3 заметно ухудшается качество записи? Это происходит из-за искажений, превысивших пиковый порог, и обрезанных при переводе в mp3. Чтобы избежать подобного эффекта всегда оставляйте место в 1 дб. от пикового порога при экспорте аудиозаписи.

7) Противофаза

Простой способ услышать, что ваша обработка ухудшает общее звучание оригинального трека, это нажав соответствующую кнопку в вашей рабочей станции, инвертировать фазу на одном из каналов. Таким образом вы услышите только ту информацию, которую составляет ваша обработка.

8) Вписываем элементы в микс.

Если вовремя мастеринга возникла проблема, которая тормозит весь процесс, не чурайтесь того, чтобы вернуться к этапу сведения и проверить все настройки. Такие недочёты как слишком громкий малый барабан или режущие слух тарелки, могут доставить огромные проблемы во время мастеринга, и при этом устраняются за несколько минут во время сведения.

9) Распределяем уровни.

Ничто так быстро не портит звук во время мастеринга как перегруженные плагины – позаботьтесь о том, чтобы уровни на входе и выходи «из плагина» держались разумных параметров (избегая при этом клиппирования).

10) Делайте всё самостоятельно.

Пресеты могут стать отличной стартовой точкой для саунд дизайна, но это абсолютно не относится к мастерингу. Создание собственной цепочки из плагинов и их самостоятельная настройка, даёт как правило более чистый результат.

11) Параллельная обработка.

Если вы старайтесь добиться достаточной плотности звучания, при этом не перебрав с компрессией, то почему бы не попробовать воспользоваться параллельной компрессией? Используйте соотношение 4:1 с быстрой атакой и средним релизом в районе 10 дб, что на выходе превратиться в сухой побочный сигнал, отлично смешивающийся с основным, привнося при этом в трек вес и глубину.

12) Использование Де-ессера.

Если вы занимаетесь мастерингом трека с чрезмерно усиленными высокими частотами, пробуйте использовать де-ессер, чтобу удержать звук «в узде». В отличии от статичной обработки эквалайзером, де-ессер – это динамический инструмент, который прекрасно удержит высокие частоты согласно заданного порога. Подобный метод отлично подойдёт для работы с барабанами или вокалом в уже заполненном миксе, не заставляя трек звучать уныло и бездушно

Привет.

Напишу чуть-чуть советов, которыми пользуюсь, и которым меня научили другие звукорежиссеры.

- Если ты сидишь и несколько часов сводишь свой микс, ты, конечно же, знаешь, что твои уши "замыливаются". Так вот, если тебе начинает казаться, что везде не хватает (или просто много где) высоких частот - тебе, мой друг, пора отдохнуть. Дай своим ушам расслабиться, можешь послушать что-то другое (например, классику), а лучше - вообще посидеть\полежать в тишине.

- Свести микс можно за пару дней: в первый день делай 2-3 сессии сведения по 3-5 часов, с перерывом на 1-2 часа. Во второй день слушай свой микс и вноси коррективы.

- Я думаю, ты знаешь об этом, но все равно озвучу: всегда делай "шит-контроль". Слушай свой микс на всем, что найдешь под рукой. Слушай в разных помещениях, можешь зайти в какой-нибудь угол, можешь слушать в ванной и на улице. Лучше всего, прикупить какие-нибудь дешевые колонки или наушники. Ведь, если микс хорош, он будет хорош везде.

- Прикупи себе моно-динамик. Да да, миксы слушают еще и в моно. Кнопка "моно" на твоей звуковой карте не даст такого эффекта.

- Всегда ищи референтный трек. Своди и сравнивай свой микс и референт. Тогда, работа пойдет быстрее.

- Если не можешь найти баланс громкости - послушай микс на тихой громкости. Ты должен слышать все его элементы. Ведь, твой микс могут слушать и в наушниках в метро, например, и на большой сцене.

Несмотря на большие фонотеки, звуки в кино производят очень странными предметами. Веник и тряпка - лучшие друзья звукооформителя.

Как бы это ни было странно, одной из главных составляющих кино является звук. Не просто мелодии или песни, которые сопровождают героев в наиболее драматические моменты истории, а именно что звук — любое движение, любой вздох или выкрик. Помимо работы актеров, которые озвучивают свои собственные или чужие роли, важным являются труд звукооформителей, как их называют у нас, или foley artists, как их называют у них — люди ответственные за то, чтобы все в фильме звучало правдоподобно. Только, как это часто бывает, для правдивого звука они используют совсем не то, что озвучивают.

На съемках фильма, практически всегда есть человек, который отвечает за создание натуральных звуковых эффектов. Их он записывает в студии, предварительно определив, что нужно воспроизвести.Раньше, за отсутствием средств, некоторым фильмам звук на площадке не записывали вовсе, а полностью воспроизводили в студии. Экзотический термин «foley artist» возник благодаря Джэку Фоли, пионеру звукового кино. Он начинал как сценарист немых фильмов, но потом внес большой вклад в переход к звуковому кино. Он придумал большинство техник, применяемых сегодня в озвучении, и приложил свои бесценные уши к многим фильмам, самым знаменитым из которых является «Спартак» Кубрика.

Своей знаменитостью Джэк Фоли в первую очередь обязан технологическим недостаткам съемочного процесса: звук во время съемок на натурах часто получается невыразительным. Чтобы понять, как это все работает сегодня, мы расспросили звукооформителя Петра Бордачева.

«Еще давно в кино поняли, что звук, который записывается во время съемки, получается очень блеклым и заглушается лишними шумами. Полученную картинку приходится переозвучивать. Раньше это делали с помощью живых звуков, но теперь, благодаря развитию качественных фонотек в живую озвучивают все меньше и меньше. Например, в США услуга foley artist стоит довольно дорого. Поэтому сейчас все больше используют библиотеки звуков. Однако такие штуки, как шаги или, например, шуршание одежды, все же удобнее записывать по старинке. Шаги – это вообще наша основная задача. Так как они попадаются довольно часто в фильмах и сериалах, намного легче записать их, не подстраивая звук из фонотеки, а с одного или двух дублей все сделать в живую».

Вот некоторые примеры того, как получаются звуки:

- Шаги по снегу: руками мнется крахмал;

- Огонь: веником проводят (шоркают) по тряпке;

- Сломанная шея: эспандером быстро сжимают лист капусты;

- Цокот копыт: кокосом бьют об кокос;

- Морской прибой: в ящик насыпают песок и поворачивают его (ящик) под разными углами;

- Шаги по траве: шагают по магнитной ленте;

- Столкновение машин: насыпают с железный ящик гайки и ударяют по нему.

«Установка на завершение треков раз и навсегда изменила мой подход к созданию музыки»

Диджей и продюсер из Лос-Анджелеса – Джастин Джей успел наделать немало шума со своими релизами на Dirtybird, Southern Fried Records, а также Бостонском Soul Clap Records и войти в близкий круг таких «гигантов мысли», как Клод вон Строк и Пит Тонг. Настало время для второго альбома. Home вышел на собственном лейбле Джастина – Fantastic Voyage, наглядно продемонстрировав эволюцию идей и звучания музыканта. Мы попросили Джастина поделиться с нами мыслями на счет тех вещей, которые он «выстрадал» на пути своего становления.

1. Получайте удовольствие (и не будьте слишком критичны)
Время от времени процесс создания музыки – это стресс. Зачастую эти эмоции имеют в своем основании страх, неуверенность в себе, всяческое давление изнутри и снаружи и т. д. «Что, если никто не оценит? Что, если это не настолько хорошо?»

Очень важно выключать эти негативные эмоции во время написания музыки. По себе я могу сказать, что если не фокусироваться на мыслях типа «насколько хороша эта идея?» или «насколько она может понравиться людям?», как правило, получаются самые крутые треки. Главное – старайтесь акцентировать внимание на своих эмоциях и наслаждайтесь процессом. Старайтесь ловить момент, ведь если я создаю новые звуки или работаю с ритмикой будучи раскрепощенным и непосредственным, то и результат будет «открытым», работа выйдет без какого-либо намека на давление. В такие моменты рождаются самые интересные идеи.

Конечно, не всегда бывает так просто, однако, в любом случае старайтесь находить радость в процессе музицирования, поскольку это очень важная штука для развития и роста как музыканта.

2. Вкладывайте время и заканчивайте треки
На пути к своему первому релизу на Dirtybird я многое осознал. Я старался закончить настолько много треков (и разослать их по лейблам), насколько мог! Причем я просто искал их демо имейлы в открытом доступе в интернете. Я, конечно, понимал, что вряд ли кто-нибудь из них ответит, но был наверняка уверен в одном – каждая законченная песня делает меня лучше в качестве продюсера, неважно, подписана она или нет.

Установка на завершение трека раз и навсегда изменила мой подход к созданию музыки. Вообще, любому музыканту приходится иметь дело с совершенно разными этапами во время работы над треком. Во-первых – это работа над звуками и мелодиями, во-вторых – композиционно-структурная и аранжировочная части, и, в-третьих – сведение и мастеринг. Каждая «демка», которую я закончил, помогала оттачивать эти навыки. Чем больше делаешь, тем лучше получается. Довольно просто. Будучи «на ты» с композицией и аранжировкой, а также имея хороший навык сведения, довольно просто вывести свои идеи на другой уровень.

Даже после релиза на Dirtybird я еще десять месяцев корпел и прокачивал свои «демки», прежде чем случился очередной прорыв. Я убежден, что чем лучше развиты ваши навыки, тем легче быть стабильным в плане продакшена. Даже если я заканчиваю не очень удачный трек, я все равно знаю – мой «скилл» подрос и не стоит на месте.

3. Пробуйте себя в новых направлениях, даже если сразу ничего не получается
Пробовать что-то новое в плане продакшена – это всегда борьба. Зачастую, отступить от привычных для себя правил – довольно непростая задача. Всегда можно сказать себе «я не настолько хорош в этом стиле/жанре» и продолжить пребывание в своей зоне комфорта. Однако, если попытаться оставить все эти преждевременные суждения, можно развить в себе все необходимые навыки и в конечном счете найти свой собственный голос в том типе музыки, который вы ранее считали недоступным.

Я глубоко убежден в силе такого подхода. Он, по-моему, позволяет раскрыть истинный творческий потенциал и создать что-то уникальное, поскольку приходится смешивать совершенно разные идеи и приемы, пропуская новые жанры сквозь призму вашего восприятия.

Никто не говорит, что это получится сходу. Я, например, всегда хотел попробовать себя в качестве сонграйтера и вокалиста. То, что получалось поначалу, конечно, смешно сейчас слушать. Но я наслаждался процессом и продолжал петь. Со временем стали происходить сдвиги и становилось все лучше и лучше.

4. Коллаборации
Коллаборации дают вам возможность создавать музыку, которую своими силами вы бы вряд ли сделали, а еще, по секрету, это отличная возможность развиваться как музыканту. Столько всего нового узнаешь в ходе совместной работы! Особенно, если работаешь с людьми из совершенно других жанров.

Мой интерес к сонграйтингу по-настоящему вырос во время работы с моим «хоуми» – Джошем Тэйлором. Наблюдая за процессом его работы и тем, как он справляется с различного рода трудностями, я приобрел тот каркас знаний, который по сей день помогает мне писать песни.

Коллаборация с Джошем научила меня и многим техническим вещам – я узнал новые, ранее незнакомые мне приемы записи и обработки вокала, техники работы с аранжировкой и композицией. Мы написали кучу музыки, которая одновременно вписывается в мой мир хаус музыки и в то же время выталкивает меня из зоны комфорта, но в хорошем ключе, помогая мне расти в качестве музыканта.

5. Оставайтесь верны себе и прислушивайтесь к интуиции. В конечном счете музыка – это о самовыражении
Ни в коем случае не принижайте и не сдерживайте свои творческие и артистические амбиции. В голову могут закрадываться мысли о том, что вы делаете музыку в недостаточно популярном жанре, недостаточно «прибыльную», или не подходящую вашему «бренду», не соответствующую ожиданиям и т. д. И если вы начнете потакать подобным мыслям в ущерб творчеству – вы совершите большую ошибку. В любом случае вы обязаны сделать трек таким, каким вы его задумывали, даже если у вас имеются подобные сомнения. Никто не может сказать, сработает это или нет, но в любом случае – лучше получать удовольствие от процесса, нежели заставлять себя делать то, что не получает должного отклика в вашем сердце.